Niet voor de hand liggende redenen waarom we van sommige films houden en het moeilijk vinden om andere te tolereren

2024 Auteur: Malcolm Clapton | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-17 04:06

Subtiliteiten van montage, cameratechnieken en andere trucs die je de sfeer laten voelen.

Meestal praten mensen bij het bespreken van cinema over de plot en het acteerwerk. Dit zijn natuurlijk belangrijke onderdelen van elke film. Maar het gebeurt zo dat je je ogen niet van een foto af kunt houden, al ontwikkelt de actie zich erg traag en wordt een ander verhaal al snel saai, ondanks de vele gebeurtenissen. Sommige auteurs slagen erin de kijker te laten geloven in de meest fantastische wendingen, terwijl anderen zelfs echte situaties creëren zoals speelgoed. En het is gewoon leuk om naar sommige banden te kijken, terwijl andere moeilijk zijn.

Het punt is dat er, naast de plot en de acteurs, veel interessante technieken zijn die regisseurs gebruiken om de kijker te helpen de actie te voelen en te genieten van wat er op het scherm gebeurt. Deze subtiliteiten worden misschien niet eens opgemerkt, maar ze hebben nog steeds een grote invloed op de perceptie van de foto.

Kleurenspectrum

Het eerste dat opvalt is dat de kleuren in de films vaak helemaal niet hetzelfde zijn als in het echte leven. Het kan heel duidelijk zijn (bijvoorbeeld als de foto zwart-wit is), of je hebt het niet meteen door. Maar dit is geen toeval.

Sfeer creëren

Met behulp van kleuren kun je de sfeer van wat er gebeurt beter overbrengen, een stemming creëren voor de kijker en zelfs de gevoelens van de personages zelf weergeven.

Neem als voorbeeld de populaire X-Men-franchise. In de hoofdreeks films lijkt het heldere en rijke beeld op strips. En in tegenstelling tot hen in noir "Logan", waar ze praten over de ouderdom en vermoeidheid van de held, worden lichtere tonen gekozen.

Shot uit de film "X-Men: Apocalypse"

Shot uit de film "Logan"

In de film "Mad Max: Fury Road" vindt de meeste actie plaats in een heet woestijngebied. Logisch dat de foto in geeloranje tinten is geschoten, waardoor je de brandende zon en droogte voelt.

Voor de duidelijkheid kunt u een kader nemen en het kleurenschema wijzigen. Het zal meteen lijken alsof het kouder is geworden.

Shot uit de film "Mad Max: Fury Road"

Hetzelfde frame, maar dan in koude kleuren

Om een contrasterend beeld te creëren, worden moderne blockbusters en in het algemeen massacinema meer blauw en oranje gemaakt.

Maar de beroemde Wes Anderson houdt van een zachtroze palet. Het geeft de kijker het gevoel van een oude romantische film. En alles wat er gebeurt, wordt rustiger en gemakkelijker waargenomen.

Wanneer ze een sfeer van toekomst en fantasie willen creëren, wenden ze zich ook vaak tot het blauwe assortiment. En ze houden vooral van neonkleuren, die in het hoofd van de kijker stevig verbonden zijn met cyberpunk en technologie.

Het behoeft geen betoog dat horrorfilmers de voorkeur geven aan donkere kleuren. Hier zijn verschillende redenen voor. Natuurlijk is dit deels een manier om de atmosfeer op te pompen. Veel mensen zijn al bang in het donker en in horrorfilms verschuilen zich ook monsters.

Bovendien kunt u met een donkere foto de onvolkomenheden van afbeeldingen of make-up enigszins verbergen en besparen op de productie. Toegegeven, hier schuilt een gevaar in: als je het frame te veel donkerder maakt, ziet de kijker misschien gewoon niet wat er op het scherm gebeurt, vooral in een slechte bioscoop of op een oude tv. Dit was bijvoorbeeld het geval in de film Slenderman uit 2018.

Hoewel sommige originele regisseurs in contrast kunnen spelen. Zo toonde Ari Astaire in "Solstice" de typische sfeer van een horrorfilm: de helden bevinden zich in een geïsoleerd dorp waar vreselijke dingen gebeuren.

Maar tegelijkertijd is de foto erg helder, er zitten bijna geen donkere scènes in en de kleding van de helden is sneeuwwit. En dit maakt het nog enger, want je kunt je nergens verbergen voor de horror.

Scheiden van perceeldelen

Eén film kan verschillende kleurenfilters hebben. Ze worden gebruikt om verhaallijnen duidelijker te scheiden. En met het juiste talent helpt deze aanpak om het plaatje op te fleuren.

De Matrix is daar een mooi voorbeeld van. Het logo van deze tape is gemaakt met groene codesymbolen, die het programma aangeven waarin mensen leven. Daarom werd alles wat er in de virtuele wereld gebeurt gefilmd door een groenachtig filter. En echte gebeurtenissen worden in blauw weergegeven.

Een scène uit de film "The Matrix", actie in de virtuele wereld

Een scène uit de film "The Matrix", actie in het echte leven

En pas helemaal aan het einde van het derde deel, wanneer mensen en machines een vredesakkoord sloten, verschijnen tegelijkertijd pure blauwe en groene kleuren in het frame.

In Inception van Christopher Nolan gaan de personages van de echte wereld naar de slaap, dan naar de slaap in de slaap, enzovoort. Om de "lagen" duidelijker te scheiden, koos de regisseur voor elk van hen zijn eigen kleurenschema.

Shot uit de film "Inception", de eerste droom

Shot uit de film "Inception", tweede droom

Shot uit de film "Inception", derde droom

Op het eerste slaapniveau is alles gefilmd in een blauw palet, het tweede is geel, het derde is wit. En pas in de laatste droom komen alle tinten weer samen, zoals in de echte wereld.

In Blade Runner 2049 van Denis Villeneuve weerspiegelden verschillende kleuren zowel de locatie als de innerlijke toestand van de hoofdpersoon.

Shot uit de film "Blade Runner 2049"

Shot uit de film "Blade Runner 2049"

Shot uit de film "Blade Runner 2049"

Shot uit de film "Blade Runner 2049"

Het begint allemaal met Ryan Goslings personage dat door de mist dwaalt, daarna gaat hij door een hete oranje woestijn, neonfuturisme en een nachtelijke overstroming. En het verhaal eindigt op een sneeuwwitte achtergrond, die rust en zuivering weerspiegelt.

Weigering van kleur

Vroeger waren alle films zwart-wit. Simpelweg omdat ze niet wisten hoe ze anders moesten fotograferen en het mogelijk was om de frames alleen met de hand in te kleuren. Toen kwamen er kleurenfilms en werd cinematografie veel realistischer.

Maar tegelijkertijd behoort zwart-witfotografie niet helemaal tot het verleden. Ze worden nog steeds gebruikt voor artistieke doeleinden. Bijvoorbeeld om verschillende werelden of verhaallijnen af te bakenen.

Dus in "The Wizard of Oz" in 1939 verschijnt kleur wanneer Dolly de sprookjeswereld betreedt.

Still uit de film "The Wizard of Oz", gewone wereld

Still uit de film "The Wizard of Oz", sprookjesland

In "Stalker" van Andrei Tarkovsky zijn kleuren ook afwezig in het gewone leven van de helden. En wanneer de personages de mystieke "Zone" betreden, wordt de wereld helder - het is hier dat mensen zichzelf echt onthullen.

Of toch toonde Christopher Nolan in de tape "Remember" een deel van de actie in de directe volgorde, en de tweede - in het tegenovergestelde. Daarom is de helft van de film in kleur opgenomen en de andere in zwart-wit.

Still uit de film "Remember", directe bestelling

Still uit de film "Remember", omgekeerde volgorde

Bovendien kunt u met een zwart-witfoto bepaalde details levendiger benadrukken door er eenvoudig kleur aan toe te voegen. Voor het eerst deed Sergei Eisenstein dit toen hij de vlag handmatig beschilderde in het slagschip Potemkin uit 1925.

Vervolgens werd deze techniek in totaal verschillende genres gebruikt. In Schindler's List van Steven Spielberg wordt de verschijning van een meisje in een rode jas een van de meest emotionele momenten.

En zelfs in de stripfilm Sin City wordt deze benadering herhaaldelijk toegepast, met de nadruk op rode lippenstift, heldere ogen of bloed.

Frame constructie

Regel van derden

Een van de fundamentele principes van zowel film als fotografie. Dit is zoiets als een vereenvoudigde regel van de "gulden snede".

Het is eenvoudig: tijdens het fotograferen wordt het scherm verticaal en horizontaal in drie delen verdeeld. De belangrijkste elementen voor de plot moeten zich op deze lijnen bevinden, evenals op hun kruispunt. Dit maakt het voor de kijker gemakkelijker om zich op de gewenste punten te concentreren.

Plaats in een vierkant

Als je het frame voorwaardelijk in tweeën deelt of in vier gelijke delen, dan kun je de kijker zonder woorden laten begrijpen welke plaats het personage in het verhaal inneemt.

Deze techniek is het duidelijkst te zien in de film "Drive" van Nicholas Winding Refn. Als bijvoorbeeld het gezicht van het hoofdpersonage in de linkerbovenhoek wordt weergegeven en in het volgende frame een ander personage op dezelfde plaats, dan is dit een hint dat de personages rivalen zullen zijn.

Bovendien kan dezelfde Refn twee parallelle verhalen vertellen: in de bovenste en onderste delen van het scherm of in de linker- en rechterhelft. De kijker zal deze beweging misschien niet opmerken, maar toch zal de perceptie van de personages completer zijn. Bovendien is het gewoon mooi.

Symmetrie

Een andere psychologische en esthetische techniek tegelijk. Vaak zijn opnamen waarbij de linkerhelft de rechterhelft weerspiegelt alleen voor schoonheid gemaakt.

Maar soms brengen ze de tegenstelling van de personages over. En als de held in de spiegel kijkt, toont hij zijn donkere kant of het verschil tussen droom en werkelijkheid. Kortom, elke allegorie die voor reflectie kan worden bedacht.

Still uit de film "2001: A Space Odyssey"

Shot uit de film "The Shining"

Een still uit de film "Joker".

Nederlandse hoek

Om de instabiliteit van de hoofdpersoon, zijn twijfels over iets of geheugenproblemen te laten zien, gebruiken ze een zeer visuele techniek. "Nederlandse hoek" betekent dat de camera niet recht schiet, maar gekanteld. Veel voorbeelden van deze aanpak zijn te vinden in de films van Danny Boyle.

Het is ongebruikelijk dat de kijker vanuit een hoek naar de foto kijkt, zodat hij de ongemakkelijke toestand van het personage beter waarneemt.

Het is echter belangrijk om de maatregel hier in acht te nemen. Zo is de rampzalige film "Battlefield: Earth" geheel onder een hoek gefilmd. Maar over anderhalf uur zal de kijker hoogstwaarschijnlijk gewoon een zere nek hebben.

Van onderaf en van bovenaf fotograferen

Nog een van de eenvoudige maar effectieve technieken waarmee je het zelfgevoel van de helden kunt overbrengen. Zo kun je bijvoorbeeld laten zien wie de baas is over de situatie. En dan herinner ik me meteen de banden van Quentin Tarantino, waar de personages in de kofferbak kijken.

Shot uit de film "From Dusk Till Dawn"

Shot uit de film "Reservoir Dogs"

En van bovenaf fotograferen geeft je het gevoel dat de held zich onzeker voelt. Hier is hoe grappig ze het speelden in de beroemde scène uit de film "What Men Talk About", waar het personage van Kamil Larin, als een kind, excuses maakt aan de portier in een duur restaurant:

Dialoog en beweging

Achtergrondactie

Een techniek die het meest wordt gebruikt in komedie of horror. Op de voorgrond gebeurt niets interessants. En al het belangrijkste ontvouwt zich tegen de achtergrond, die kan worden verduisterd of vervaagd.

Zo gaat de hoofdpersoon van de film "Zombie Called Sean" naar de winkel. Alles is heel alledaags voor hem. En op de achtergrond is er een echte apocalyps:

Afhankelijk van het genre en de presentatie kan dit een heel grappig effect of spanning creëren - zo vaak zijn de belangrijkste screamers verborgen in horrorfilms.

Gesprekken in beweging

Het meest voorkomende type dialoog in films is dat personages zitten en chatten. In dit geval schakelt de camera traditioneel tussen gezichten.

Maar als de scène te lang duurt, wordt de kijker moe van de constante herhaling van dezelfde hoeken. Daarom vullen goede regisseurs de setting van dergelijke scènes aan of veranderen ze.

Dus in de films van Quentin Tarantino spreken de personages bijna constant. Maar de meester laat je niet vervelen, want dialogen kunnen plaatsvinden tijdens het rijden. Door de constante wisseling van de achtergrond lijkt de actie niet eentonig te zijn.

En ook al staan de personages in dezelfde ruimte, de camera schakelt niet zomaar. Ze kan om hen heen bewegen, waardoor het effect van aanwezigheid en zelfs deelname aan het gesprek ontstaat. Vrijwel alle karakters zijn te zien zonder onnodige bewerking.

Nicholas Winding Refn weet het al genoemde spel met kleur en reflectie te gebruiken in een eenvoudig gesprek. In Drive lijkt de eerste dialoog van de hoofdrolspelers heel eenvoudig.

Maar tegelijkertijd staat het personage van Ryan Gosling altijd op een blauwe achtergrond (dit kleurenschema vergezelt hem de hele film). En de heldin Carey Mulligan staat bij de oranje muren. En dit laat zien dat iets hen scheidt, ook al zijn ze dichtbij.

De 180 graden regel

Er is nog een belangrijk punt tijdens het filmen. Als je de camera meer dan 180 graden beweegt bij het veranderen van hoek, raakt de kijker in de war. Wanneer de held bijvoorbeeld rent, lijkt het alsof hij zich heeft omgedraaid en in de tegenovergestelde richting beweegt.

En dat is ook tijdens dialogen even belangrijk. Om niet de indruk te wekken dat iedereen in het beeld abrupt is bewogen, kiezen de operator en regisseur een bepaalde lijn waar de camera niet over mag gaan.

Het is merkwaardig dat een opzettelijke overtreding van deze regel kan worden gebruikt om de kijker te verwarren, om de verwarring van de held te tonen. En met de nodige verbeeldingskracht creëren de auteurs meer ongewone scènes. Bijvoorbeeld Gollums gesprek met zichzelf. Het personage wordt simpelweg van verschillende kanten weergegeven, maar hierdoor ontstaat het effect dat er twee sprekers zijn en met elkaar in dialoog zijn.

Installatiefuncties

Met montage kun je de actie van de film dynamischer maken, de saaie momenten van het leven "overslaan" en je vanuit verschillende gezichtspunten naar wat er gebeurt kijken. De eenvoudigste vorm is verhalend. Dat wil zeggen, de gebeurtenissen in het frame vinden de een na de ander plaats. Dit werd het duidelijkst uitgelegd in De man van de Boulevard des Capucines.

Maar je kunt de gebeurtenissen van de film op een andere manier laten zien, en daarvoor gebruiken ze andere technieken.

Parallelle installatie

In tegenstelling tot sequentieel vertellen, willen auteurs soms dat het publiek ziet wat er op verschillende plaatsen tegelijkertijd gebeurt. En dan wenden regisseurs zich tot parallelmontage.

Dit maakt het plot nog spannender. Maar je moet voorzichtig zijn. Als je om de beurt de scènes laat zien die zich tegelijkertijd voordoen, kun je immers de indruk krijgen dat ze stuk voor stuk langer duren.

Een treffend voorbeeld van mislukte parallelle bewerking is "Furious-6". De helden proberen te ontsnappen in een vliegtuig dat over de landingsbaan rijdt, auto's achtervolgen hen en er vindt een gevecht plaats in de voering.

De auteurs demonstreren zoveel gebeurtenissen tegelijk dat het vliegtuig op het scherm minstens 15 minuten lijkt te versnellen. Onnodig te zeggen dat dit alle realisme van de situatie doodt?

Christopher Nolan daarentegen wordt algemeen beschouwd als een meester in parallelmontage. De regisseur gebruikt het in veel van zijn werken, maar The Beginning is het beste voorbeeld. Gebeurtenissen op verschillende slaapniveaus vinden gelijktijdig plaats en met verschillende snelheden (in diepere slaap gaat de tijd langzamer).

Hier wordt de al genoemde scheiding van kleuren aan de actie toegevoegd en raakt de kijker niet in de war door wat er gebeurt, maar realiseert hij zich de hele globaliteit van gebeurtenissen.

Overigens is het interessant dat Nolan in de film "Duinkerken" nog gevatter is met deze techniek. Het toont parallel de gebeurtenissen die plaatsvinden op de grond, in het water en in de lucht. In feite is de chronologie compleet anders en komt alles pas in de finale samen.

Flashbacks en Flash Forwards

Soms verankeren de auteurs hun herinneringen aan het verleden - flashbacks - in het lineaire verhaal van de helden. Dit kunnen hele korte flitsen van een paar seconden zijn of hele verhaallijnen.

Een grote fan van zulke momenten is Jean-Marc Vallee. Zo voegt hij spanning toe aan de ogenschijnlijk rustige scènes. Of hij maakt duidelijk dat het personage iemand bedriegt: hij zegt het ene, maar er verschijnt iets heel anders in zijn geheugen.

Het is niet moeilijk te raden dat flashforwards dezelfde verhalen zijn, maar uit de toekomst. Ze worden minder vaak gebruikt, meestal in sciencefiction of mystieke verhalen. Op zo'n techniek hebben ze zelfs een hele serie gebouwd, waarbij elke persoon tijdens een bepaalde zonsverduistering een moment uit zijn toekomst zag.

En verderop in het complot probeert iedereen de redenen te achterhalen voor wat er is gebeurd en de betekenis van hun visioenen te begrijpen. De serie werd zo genoemd: Flashforward (in Russische vertaling - "Onthoud wat er zal gebeuren"). Toegegeven, hij duurde maar één seizoen.

Jump-cut

Deze techniek is al van toepassing op lineaire bewerking. Het betekent een scherpe overgang tussen frames. Ze gebruiken het voor heel andere doeleinden.

In Little Shop of Horrors van Frank Oz helpt een dergelijke montage om het lange en saaie verstrijken van de tijd te laten zien.

Maar Lars von Trier, die ook vaak de jump-cut in zijn werken gebruikt, brengt op deze manier de emotionele stress en psychologische instabiliteit van de personages over. Door op deze manier te fotograferen wordt de foto "nerveuzer". In de "Idiots" -tape is dit heel toepasselijk:

Bewerken in vorm en geluid

Om de verschillende gebeurtenissen die in de film worden getoond als een voortzetting van elkaar te zien, gebruiken de auteurs vaak visuele toevalligheden. Dat wil zeggen, de contouren van een object in het ene frame worden herhaald in het volgende. En soms kan het er heel geestig uitzien.

Op dezelfde manier kunt u de kijker "haken" met geluid. De schreeuw gaat verder met het fluiten van de stoomboot, en het industriële gerommel wordt vervangen door muziek van hetzelfde tempo. Of het gesis van een beschadigde pijp verandert in een geknetter van bradend vlees.

Daarnaast kan het geluid iets voor of achter lopen op wat er op het scherm wordt weergegeven. Dit wordt gedaan om de scènes meer verbonden te maken. Dat wil zeggen, de kijker hoort nog steeds spraak en geritsel van het vorige frame, maar de actie is al veranderd. Of vice versa.

Gebrek aan installatie

Dit is een gewaagde zet: regisseurs maken lange scènes zonder enige bewerking, of verbergen ze op verschillende manieren.

Dit maakt wat er op het scherm gebeurt realistischer, geeft de kijker een idee van het tempo van het verhaal zelf. Maar deze aanpak vereist natuurlijk veel meer oefening en investering. Tijdens de verwerking kun je immers mislukte kleine dingen wegknippen.

Dus Joe Wright toonde in de film "Atonement" een scène van vijf minuten met de evacuatie van troepen uit Duinkerken tijdens de Tweede Wereldoorlog. 1.300 mensen waren betrokken bij de menigte, met apparatuur die in het frame bewoog en explosies op de achtergrond. Het is deze benadering die alle somberheid en chaos van wat er gebeurt overbrengt.

Moderne technologieën maken het mogelijk om de installatie nauwkeuriger af te handelen. En het hielp Alejandro Gonzalez Iñarrit om Birdman neer te schieten. Daarin merk je niet eens meteen dat de hele actie in één doorlopend frame wordt getoond.

In feite is de montage er, maar verborgen. Splitsingen worden gemaakt wanneer de camera door een donker element gaat.

En de "Russische ark" van Alexander Sokurov ziet er nog sterker uit. De actie vindt plaats in de Hermitage en de regisseur kreeg een dag de tijd om te filmen. Daarom besloot hij de foto te maken zonder te lijmen.

Het duurde zeven maanden repetities met 800 figuranten. Daardoor schoten ze vanaf de derde take een hele film met een speelduur van 1 uur en 27 minuten.

In feite zijn er veel meer van dergelijke subtiliteiten. Maar velen van hen vereisen al een grondige kennis van regie en cinematografie. Dit zijn slechts eenvoudige voorbeelden die in veel films te zien zijn. En bij het bekijken van de volgende foto zal je ongetwijfeld worden getroffen door de "Hollandse hoek" of een lang frame zonder bewerking. Maar dit zal de magie van cinema niet vernietigen, maar integendeel het kijken nog interessanter maken.